Carcara #26 by Carcara Photo Art

#26

SUMMER

2021

ISSN 2596-3066

Cover Photo: José Oiticica Filho

EDITORIAL THE BRAZILIAN PHOTOGRAPHIC VANGUARD OF 1940 AND 1950 In the history of humankind, no half-century has been as troubled, unexpected, revolutionary and artistically diverse as the 20th century. There were two wars; how many artistic trends were inspired by the psychoanalysis of Freud and Jung; how many sociopolitical movements originated in Marxism and the Russian Revolution; how much weight did Structuralism and Existentialism have in philosophical thought? Technology has brought cinema and photography to everyday life. The world was in eruption. This scenario was portrayed by photography. Those times were registered by a photographic style that valued the document, the record, the memory, the landscape. It was also at that time that photography sought a second strand. Moving away from the “Fine Arts”, from the register of the real, it looked for a language that would express its content exactly, not as a representation, but as an inclusive, exclusive content, with no external reference. In this new language, figurations and abstractions, expressionisms and geometrisms emerged. This new path of photography was also taken by a group of Brazilian amateur photographers, in São Paulo, gathered in an institution that marked an era – Foto Cine Clube Bandeirantes. They reflected on the world and on the possibilities of creating and reproducing unrealities that would become realities after the development of films. They were experienced photographers, technically consistent, knowledgeable about photographic equipment and their physical chemistry. They were so significant that they gained a classification – Brazilian Modernists – and a name – Escola Paulista de Fotografia. During the 1940s and 1950s, São Paulo experimented and materialized new concepts of photographic art. It is the result of these discussions, the questions, the experiences of this group that this issue of Carcará brings. An exemplary work, known by few, only

by specialists, collectors and lovers of photographic art. These photos have already been displayed in Brazilian spaces. Itaú Cultural and Instituto Moreira Salles have been important promoters of these works. But they are virtually unknown abroad. An initiative of MoMA (The Museum of Modern Art) can help these photographers begin an international journey. From May to September this year, MoMA will exhibit Fotoclubismo: Brazilian Modernist Photography, 1946-1964. The first major international exhibition bringing together members of Escola Brasileira de Fotografia. A more restricted exhibition took place in London, at the Augusta Edwards Fine Art gallery, from May 17th to 30th, 2021: Brazilian Modernists: Three Masters of Foto-Cine Clube Bandeirante. May that be the beginning of the diffusion of this group of photographers who brought inventiveness, creativity, experimentation to Brazilian photography, consolidating its position as one of the best in the world. Carcará thanks MoMA, Augusta Edwards Fine Art, Itaú Cultural, Luciana Brito Galeria and Almeida and Dale Galeria de Arte for the opportunity to exhibit iconic works from their collections. CARLO CIRENZA

THE REVOLUTIONARY AESTHETIC OF BRAZILIAN MODERNIST PHOTOGRAPHERS AT PHOTO CINE CLUBE BANDEIRANTES Some words have accompanied photography in its historical journey, since its official invention after the first photo was taken in 1826 by the French inventor Joseph Nicéphore Niépce: document, memory, record, pictorialism, portrait, nature. In all these concepts, the photographed object is defined as a referent, it has a temporal physical existence which is external to the photo product. There was, and in many cases still is, an attempt to bring the so-called “Fine Arts” together. In the first half of the 20th century, from a series of artistic movements that can be encompassed in the concept of modernity -- Symbolism, Impressionism, Dadaism, Surrealism, Cubism, Expressionism, Abstractionism, Constructivism, New Objectivity and Concretism, not to mention the Bauhaus and in its incredible teacher László Moholy-Nagy (1895-1946), a kind of Da Vinci of the 20th century --, Europe and the United States experienced an artistic eruption that included photography. That same period registered political, historical and technological facts that radically transformed humanity: two world wars, the Russian Revolution, Marxist thought, Freud and Jung’s psychoanalysis, Existentialism, Structuralism, new sciences and technologies. The world was rapidly experiencing great changes. Photography took part in all these transformations, whether by having its equipment improved, or by recording facts, or by creating languages. Even without abandoning its original concepts, photography bifurcates: on the one hand, it continues its traditional trajectory; on the other hand, it starts to exist in itself as an object, an object of art, without referring to something external, temporal. Photography consolidates itself as a subjective art. These new concepts that existed in Europe and the United States began to be part of the discussions of a group of

Brazilian photographers, gathered in São Paulo, under the umbrella of an institution named Foto Clube Bandeirantes - FCB, created in 1939. The FCB was both a meeting and research place for professional and amateur photographers interested in photography. In the 1940s, it already had laboratories and a studio for its associates, and had reading rooms and a library. In addition, it published newsletters, magazines and exhibition catalogues. The formative nature of the photoclub and its promotion of national and international exhibitions and salons enabled the expansion of exchange networks among associated photographers. From 1945 onwards, he created a cinema area and was renamed Foto Cine Clube Bandeirantes - FCCB. These photographers, the vast majority being autonomous professionals who loved photography, took the path that Europe had already reached in the 1930s. This group became known as Escola Paulista de Fotografia. It is true that the group of Brazilian photographers who formed Escola Paulista de Fotografia arrived a little late to Modernism. But it’s also true that the quality, inventiveness and creativity of their photos are indisputable. If they are not well known in Brazil, let alone abroad. Even together in an organization that sought to participate in exhibitions around the world -- Foto Cine Clube Bandeirantes --, these photographers still frequent few Brazilian minds. They touch the consciences of collectors, critics and people connected to the art world. A very small group, given the aesthetic importance of these creators. Despite the increasing number of exhibitions by this group, dubbed Modernistas Brasileiros, they are

only recently having international experiences. A restricted exhibition took place in London, at the Augusta Edwards Fine Art gallery, from May 17th to 30th, 2021, entitled Brazilian Modernists: Three Masters of Foto-Cine Clube Bandeirante. Another, broader one -- Photoclubism: Brazilian Modernist Photography, 1946–1964 -- takes place at MoMA (The Museum of Modern Art), in New York, from May 8th to September 26th, 2021. MoMA’S RECOGNITION In publicizing the event, MoMA highlights that the exhibition focuses on the creative achievements of Foto Cine Clube Bandeirante of São Paulo, “a group of brilliant amateur photographers in Brazil, unknown to the European and North American audiences”. The exhibition was organized by Sarah Meister, Curator, and Dana Ostrander, Curatorial Assistant, from the Department of Photography at MoMA. The vast majority of Foto Cine Clube Bandeirante members were amateurs: the list of their professions includes businessmen, accountants, journalists, engineers, biologists and bankers. Some names stand out: Gaspar Gasparian - 1899/1966, Geraldo de Barros - 1923/1998, German Lorca - 1922/2021, Gertrudes Altschul - 1904/1962, José Oiticica Filho - 1906/1964, José Yalenti - 1895/1967 and Thomaz Farkas - 1924/2011. This is the first exhibition to present this moment in the history of Brazilian photography to an international audience. The curator of MoMA’s photography department, Sarah Meister, says, in an interview with Tiê Higashi published in Revista Zum, from Instituto Moreira Salles Meister, that her interest in São Paulo’s modernists began in 2005, when MoMA bought two photographs by Geraldo de Barros. “At the time, I didn’t know what to do with those images. But they certainly interested me. However, I didn’t have any references that made me understand

those works. They didn’t fit with anything I thought I knew about photography. But I would say that it was at this moment, with these acquisitions, that the seeds of interest were planted, as there was an incredible, inventive and experimental artist working in São Paulo in the 40s and 50s and I didn’t know anything.”

In 2012, thanks to C-MAP, an internal MoMA research program that promotes the study of art history outside North America and Western Europe, Sarah Meister went to São Paulo for the first time. She met Foto Cine Clube Bandeirante and talked to Gaspar Gasparian and Eric Franck about three acquisitions of her work, and with Thomas Farkas’ children. She found out that there were seven photos in the museum collection that Farkas had sent to photographer, painter and curator Edward Steichen in 1949. “I was happy thinking that we had three FCCB artists in our collection. Then, in 2015, I was in São Paulo for the third time and learned that Gertrudes Altschul and many other interesting photographers were members of the club. So I started having contact with the writings of Helouise Costa and Heloisa Espada, I visited private collections, I met Isabel Amado… And I realized that this was a completely unknown chapter for me and that I needed to be very humble about what I didn’t know. And, of course, also on the occasion of that first trip in 2012, I started to develop an interest in what was happening at that time in Brazil. Although this exhibition deals with a more distant past, it also coincides with the awareness of exciting things that were happening at that time.”

PHOTOGRAPHY IN BRAZIL AND MODERNISTS (*) Since its birth in the 19th century, photography --and the debates that follow-- reveals a tension between photo documentation and artistic photography and, more clearly, from the 1950s onwards, between figurative and abstract photography. The history of photography in Brazil dates back to the arrival of the daguerreotype in Rio de Janeiro, in 1839, and to the Frenchman Hercule Florence (18041879). Between 1840 and 1860, photography spread

throughout the country. Victor Frond (1821-1881), Marc Ferrez (1843-1923), Augusto Malta (1864-1957), Militão Augusto de Azevedo (1837-1905) and José Christiano Júnior (1832-1902) stand out as pioneers of photography in Brazil. The expressive and documentary value of their work, dedicated to recording various aspects of Brazilian society at the time --for example, the slaves of Christiano Júnior, or the urban landscape captured by Militão in the Comparative Album of the City of São Paulo, 1862-1887--, have been attracting the attention of researchers from the most diverse areas of knowledge. Modernist photography is a movement to renew photographic language that emerged at the beginning of the 20th century in opposition to pictorialism. Its goal was to endow photography with an autonomous artistic project aligned with the remodeling aspirations of modern art and redefine the aesthetic bases through technical experiments that suited the medium. The modern vision develops in the empiricism of photographic practice and, through it, proposes an “optical artistic creation”, based on the exploration of the indispensable elements in the operation of photography (the camera, the negative and the development). Although the Straight Photography, New Objectivity (Neue Sachlichkeit) and New Vision (Neues Sehen) currents were protagonists of this radical transformation of photographic language, there was no effective formation of a defined group, and the change occured in different universes, through the private initiatives of artist-photographers, among them Alfred Stieglitz (1864-1946), August Sander (1876-1964), László Moholy-Nagy (1895-1946), Man Ray (1890-1976), Paul Strand (1890-1976) and Alexander Rodchenko (1891-1956). Each contributed individually to the development of language, whether by proposing the view of a contraplongée staircase: Alexander Rodchenko, Miasnitskaia Street (1925); the geometrized landscape in plongée: László Moholy-Nagy, Geometry and Landscape Texture (1925); optical deformations: Edward

Weston, Nus (1936); or abstract images by contact: Man Ray, Rayograma - O Beijo (1922). Among their technical experiments are: “multiple exposure, use of ‘inadequate’ speeds for the subject being photographed, high-contrast, solarization, movement of the device during the act of photographing, use of different types of photographic montages, negative clippings, micro and macro photography, intervention in the copies”. In Brazil, the modernist renewal in photography took place two decades later, in the mid-1940s, and was developed precisely at Foto Cine Clube Bandeirante FCCB, in São Paulo. The beginning of the transformation of the Brazilian photographic language is the result of individual efforts, mainly of photographers José Yalenti (1895/1967), Thomaz Farkas (1924/2011), Geraldo de Barros (1923/1998) and German Lorca (1922/2021), pioneers in shaping a new vision. Through their own photographic technique, they propose the geometrization of urban space – José Yalenti, Paralelas e Diagonales (1945); unusual angles and views – Thomaz Farkas, Escada ao Sol (1946); overlapping abstractions – Geraldo de Barros, Abstract/Série Fotoforma (1950); and the exercise of estrangement from everyday reality – German Lorca, Malandragem (1949). With these experiments, the pioneers open up research possibilities, triggering a major change in photo club production. In the 1950s, the expression “Escola Paulista” started to be used by specialized critics to designate the FCCB’s modernist production, as they perceived the constitution of an artistic body with creations of similar features, such as: “breaking the classical rules of composition; current use of radical chiaroscuro; emphasis on the lines of constitutive forces

of the referent, highlighting the abstract potential of the theme; strong tendency to geometrization of motifs and, finally, breaking the integrity of the traditional process”. The strength of the works of Escola Paulista enabled the exhibition of photography in museums, as well as the invitation for Geraldo de Barros to coordinate the photographic laboratory of the São Paulo Museum of Art (MASP), Thomaz Farkas’ exhibition at the Museum of Modern Art in São Paulo (MAM-SP) and the exclusive special room for the 2nd São Paulo International Biennial (13.12.1953/26.02.1954). At the end of the 1950s, the development of Revistas Ilustradas consolidated photojournalism and the resumption of Figurativism, while Escola Paulista entered the last stage, with the academization of the modern vocabulary, the repetition of formulas already used, and the possibilities of changes in this aesthetic. Subverting the notion of the image of reality, modernist photography proposes the manipulation of plasticity in themes that match the modern world to which it belongs, contemplating urban transformations – Paulo Pires, Construtores, (s/d); the increase in transport speed – German Lorca, Aeroporto (1940); the expansion of advertisements in the public space – Claudio Pugliese, Propaganda ao Céu (1957); and the intensification of industrialized serial production – José Yalenti, Ovaladas (1950). Modernist photography seeks formal autonomy by exploring the technique itself, even if this means the negation of the referent. (*) Adaptation of the entry Photography in Brazil, from the Itaú Cultural Encyclopedia.

FERNANDO RIOS SOURCES AND REFERENCES FOTO CINE CLUBE BANDEIRNTES https://fotoclub.art.br/ Access in: June 8th, 2021.

FOTOGRAFIA MODERNISTA BRASILEIRA / COLEÇÃO ITAÚ CULTURAL https://artsandculture.google.com/exhibit/fotografia-modernistabrasileira/3gJSVcF9SyfOKg Access in: June 8th, 2021. FOTOGRAFIA NO BRASIL In: Enciclopédia Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Available at <http://enciclopedia.itaucultural. org.br/termo3787/fotografia-no-brasil>. Access in: June 7th, 2021. Enciclopedia entry. ISBN: 978-85-7979-060-7 FUNDAÇÃO BAUHAUS DESSAU https://www.bauhaus-dessau.de/de/stiftung.html Access in: June 8th, 2021. INTERVIEW WITH FABIANA DE BARROS, VISUAL ARTIST AND PHOTOGRAPHER GERALDO DE BARROS’ DAUGHTER. February 28th, 2021. Moderna para Sempre - Fabiana de Barros - YouTube Access in: June 8th, 2021. INTERVIEW WITH IATÃ CANNABRAVA - PHOTOGRAPHER AND CURATOR OF THE EXHIBIT MODERNA PARA SEMPRE January 24th, 2014. Moderna para Sempre -- Iatã Cannabrava - YouTube Access in: June 8th, 2021. INTERVIEW WITH RUBENS FERNANDES, ART RESEARCHER AND CRITIC January 24th, 2014. Moderna para Sempre (2014) -- Rubens Fernandes - YouTube Access in: June 8th, 2021. INTERVIEW: A CURADORA SARAH MEISTER FALA SOBRE A EXPOSIÇÃO FOTOCLUBISMO, EM CARTAZ NO MOMA DE NOVA YORK Tiê Higashi ZUM PHOTO MAGAZINE / RADAR Published in: May 12th, 2021 https://revistazum.com.br/radar/entrevista-sarah-meister/ Access in: June 8th, 2021.

MODERNISMO https://pt.wikipedia.org/wiki/Modernismo Access in: June 8th, 2021. MoMA ANNOUNCES FOTOCLUBISMO: BRAZILIAN MODERNIST PHOTOGRAPHY, 1946–1964, HIGHLIGHTING A PREVIOUSLY UNDERSTUDIED CHAPTER OF PHOTOGRAPHIC HISTORY 000 REF MoMA_Fotoclubismo-Press-Release_FINAL_Updated-2.1.21-3.pdf Access in: June 8th, 2021. MOHOLY NAGY FOUDATION https://www.moholy-nagy.org/ Access in: June 8th, 2021. LÁSZLÓ MOHOLY-NAGY (1895/1946) TIPÓGRAFOS NET http://tipografos.net/bauhaus/moholy-nagy.html Access in: June 8th, 2021.

Almeida e Dale

Eduardo Salvatore Conferência, s.d. Gelatina e prata sobre papel 40,3 x 30,1 cm

Eduardo Enfeldt Jornal da Manhã , s.d. Gelatina e prata sobre papel 40 x 30 cm

Carlos F. Latorre Melancolia s.d. Gelatina e prata sobre papel 39,4 x 29,5 cm.

Nelson Peterlini Pintor de parede s.d. Gelatina e prata sobre papel 39 x 25,8 cm

Newton Chaves Cosipa Estrutura nº1, 1970. Gelatina e prata sobre papel 22,2 x 39,6 cm

Antonio S. Victor Em plena tarefa, 1950 Gelatina e prata sobre papel 29,9 x 40 cm

Abílio M. Castro Filho Hors de propos..., 1953 Gelatina e prata sobre papel 28,9 x 38,7 cm

Paulo Pires da Silva Homens trabalhando s.d. Gelatina e prata sobre papel 29 x 38,8 cm

Augusta Edwards

Itaú Cultural

José Yalenti Paralelas e Diagonais, ca. 1950.

German Lorca Oca, Parque do Ibirapuera, 1954/2005

German Lorca Andaime, 1970.

José Yalenti Miragem, ca. 1950

Osmar Peçanha Linhas, 1993.

Georges Rodó Composição M, 1960

Gertrudes Altschul Arabescos em Branco, 1960.

Paulo Pires Páteo de Manobras, 1961

Paulo Pires Estrutura-Catedral, 1954.

José Yalenti Convergentes, ca. 1950

Gunter E. G. Schroeder Untitled, 1970.

André Carneiro Trilhos, 1950

Thomaz Farkas Excursão a Paquetá, 1947.

German Lorca Curvas Concêntricas, 1955.

Geraldo de Barros Homenagem a Paul Klee, 1949.

Geraldo de Barros Untitled, 1950.

Geraldo de Barros Cadeira Unilabor, 1954.

Geraldo de Barros Untitled, 1949.

Geraldo de Barros Fotoforma, Estação da Luz, 1950.

José Yalenti Arquitetura, ca. 1950.

Mario Fiori Composição, ca. 1950.

Francisco Albuquerque Versão Arquitetônica, s.d.

Gertrudes Altschul Composição II, s.d.

José Yalenti Tentáculos de Ferro, ca. 1950.

Osmar Peçanha Equilíbrio, ca. 1960.

Georges Rodó Composição N, 1960

Eduardo Enfeldt Escala em Branco, 1957

José Oiticica Filho Composição Óbvia, 1953.

José Oiticica Filho Triângulos Semelhantes, 1949.

José Oiticica Filho Recriação 14-1, 1958

Marcel Giró Estudo de Sombras, ca. 1950.

Paulo Pires Homens Trabalhando, 1950

Marcel Giró Miro, s.d.

German Lorca Anturiuns Cruzados, 1960.

German Lorca Pernas, 1970.

Alice Assis Kanji Composição II, s.d.

Palmira Giró Casa Santa, 1966.

Eduardo Salvatore Formas, ca. 1950

Ademar Nanarini In Extremis, ca. 1950

Osmar Peçanha Palmas, 1951

Mario Fiori Elos, ca. 1950

Ademar Manarini Untitled, 1954

Palmira Giró Primavera, 1953

Dulce Carneiro O Vaso de Trevo, s.d.

José Yalenti Exaustor, 1957.

José Yalenti Potencial, ca. 1950.

José Yalenti Balancê, 1950.

José Yalenti Arquitetura 3, 1950

Marcel Giró Auto retrato com sombras, ca. 1953.

Chakib Jabôr Lâmpada Mágica, 1950

Tufi Kanj Elisa e sua Mente, 1965

Paulo Pires Auto Retrato, ca. 1980

Délcio Capistrano Sociedade de Consumo, 1975

Paulo Pires Curvas, 1960

Gertrudes Altschul Composição, s.d.

Paulo Pires Ritmo, 1983

José Yalenti Reflexo, ca. 1950

Gaspar Gasparian Composição Moderna, 1953

José Oiticica Filho Estudo de Cálices, ca. 1950

Eduardo Salvatore Untitled, ca. 1950

Geraldo de Barros Untitled, 1950

Rubens Teixeira Scavone Série 50s035, 1950

Rubens Teixeira Scavone Varal#4, 1950

Gertrudes Altschul Obelisco, 1954-2019.

Gaspar Gasparian Espiral, 1944.

Geraldo de Barros Cemitério do Tatuapé, 1949

Geraldo de Barros Tatuapé, 1948

Luciana Brito

Gaspar Gasparian, “Ondulantes”, 1954 gelatina e prata sobre papel 39 x 29,2 cm ed 4/15

Gaspar Gasparian, “Ascendente”, 1955 gelatina e prata sobre papel 38,5 x 28,5 cm ed 3/15

Geraldo de Barros, “Fotoforma” São Paulo, Brasil, 1950/2000 superposição de imagens no fotograma 26 x 27 cm ed P.A.

Geraldo de Barros, “Fotoforma” Estação da Luz, São Paulo, Brasil, 1949/2008 gelatina e prata sobre papel de fibra 28 x 28 cm ed 3/15

Thomaz Farkas, “Barragem de Usina”, 1945 gelatina de prata 50,5 x 44,5 cm ed 02/17

Thomaz Farkas, “Luminária do Cine Ipiranga, São Paulo”, 1945 gelatina e prata 45 x 44,5 cm ed 02/17

MoMA

Julio Agostinelli. Circus (Circense). 1951. Gelatin silver print, 11 7/16 × 15 in. (29 × 38.1 cm). The Museum of Modern Art, New York. Acquired through the generosity of Richard O. Rieger. © 2020 Estate of Julio Agostinelli

André Carneiro. Rails (Trilhos). 1951. Gelatin silver print, 11 5/8 × 15 9/16 in. (29.6 × 39.6 cm). The Museum of Modern Art, New York. Acquired through the generosity of José Olympio da Veiga Pereira through the Latin American and Caribbean Fund. © 2020 Estate of André Carneiro

Geraldo de Barros. Fotoforma. 1952-53. Gelatin silver print, 11 13/16 × 15 1/8 in. (30 × 38.4 cm). The Museum of Modern Art, New York. Acquired through the generosity of John and Lisa Pritzker. © 2020 Arquivo Geraldo de Barros. Courtesy Luciana Brito Galeria

Aldo Augusto de Souza Lima. Vertigo (Vertigem). 1949. Gelatin silver print, 11 × 14 3/4 in. (28 × 37.5 cm). The Museum of Modern Art, New York. Acquired through the generosity of James and Ysabella Gara in honor of Donald H. Elliott. © 2020 Estate of Aldo Augusto de Souza Lima

Thomaz Farkas. Ministry of Education (Ministério da Educação) [Rio de Janeiro]. c. 1945. Gelatin silver print, 12 13/16 × 11 3/4 in. (32.6 × 29.9 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of the artist

Maria Helena Valente da Cruz. The Broken Glass (O vidro partido). c. 1952. Gelatin silver print, 11 7/8 × 11 1/2 in. (30.2 × 29.2 cm). The Museum of Modern Art, New York. Acquired through the generosity of Donna Redel. © 2020 Estate of Maria Helena Valente da Cruz

EDITORIAL A VANGUARDA FOTOGRÁFICA BRASILEIRA DE 1940 E 1950 Na história da humanidade, nenhuma metade de século foi tão conturbada, inesperada, revolucionária, artisticamente diversificada, quanto o Século XX. Aconteceram duas guerras; quantas tendências artísticas se inspiraram na psicanálise de Freud e Jung; quantos movimentos sociopolíticos tiveram origem no marxismo e na Revolução Russa; quanto peso tiveram o estruturalismo e o existencialismo no pensamento filosófico? A tecnologia trouxe cinema e fotografia para a vida diária. O mundo vivia em erupção. Esse cenário foi retratado pela fotografia. Esse tempo ficou registrado por um estilo fotográfico que valorizava o documento, o registro, a memória, a paisagem. Foi também nesse momento que a fotografia buscou uma segunda vertente. Afastando-se das “belas artes”, do registro do real, procurou uma linguagem que expressasse exatamente o seu conteúdo, não como representação, mas como um conteúdo inclusivo, exclusivo, sem referência externa. E nessa nova linguagem emergiram figurações e abstrações, expressionismos e geometrismos. Esse novo caminho da fotografia também foi percorrido por um grupo de fotógrafos amadores brasileiros, em São Paulo, reunidos numa instituição que marcou época – o Foto Cine Clube Bandeirantes. Eles refletiam sobre o mundo e sobre as possibilidades de criar e reproduzir irrealidades que se transformariam em realidades a partir da revelação. Eram experientes fotógrafos, tecnicamente consistentes, conhecedores dos equipamentos fotográficos e de suas físico-químicas. Foram tão significativos que ganharam uma classificação – Modernistas Brasileiros – e uma denominação – Escola Paulista de Fotografia. Durante as décadas de 1940 e 1950, São Paulo experimentou e concretizou novos conceitos da arte fotográfica. É o

resultado dessas discussões, dos questionamentos, das experiências desse grupo que este número de Carcará traz. Uma obra exemplar, conhecida por poucos, apenas por especialistas, colecionadores e amantes praticantes da arte fotográfica. Essas fotos já foram expostas em alguns espaços brasileiros. O Itaú Cultural e o Instituto Moreira Salles tem sido importantes divulgadores desses trabalhos. No exterior eles são praticamente desconhecidos. Uma iniciativa do MoMA – Museu de Arte de Nova Iorque pode contribuir para que esses fotógrafos iniciem um percurso internacional. De maio a setembro deste ano, o MoMA estará expondo Fotoclubismo: Brazilian Modernist Photography, 1946–1964. A primeira grande mostra internacional reunindo membros da Escola Brasileira de Fotografia. Uma exposição mais restrita aconteceu em Londres, na galeria Augusta Edwards Fine Art, de 17 a 30 de maio de 2021, intitulada Brazilian Modernists: Three Masters of Foto-Cine Clube Bandeirante. Que seja o começo da difusão desse grupo de fotógrafos que trouxe inventividade, criatividade, experimentação para a fotografia brasileira, consolidando sua posição como uma das melhores do mundo. Carcará agradece ao MOMA, à Augusta Edwards Fine Art, ao Itaú Cultural, à Luciana Brito Galeria e à Almeida e Dale Galeria de Arte pela possibilidade de expor trabalhos icônicos de suas coleções. CARLO CIRENZA

A REVOLUCIONÁRIA ESTÉTICA DOS FOTÓGRAFOS MODERNISTAS BRASILEIROS NO FOTO CINE CLUBE BANDEIRANTES Algumas palavras têm acompanhado a fotografia no seu percurso histórico, desde sua invenção oficial com a primeira foto, feita em 1826 pelo inventor francês Joseph Nicéphore Niépce: documento, memória, registro, pictorialismo, retrato, natureza. Em todos esses conceitos, o objeto fotografado se define como referente, tem existência física temporal externa ao produto foto. Havia, e em muitas casos ainda há, uma tentativa de aproximação das chamadas “belas artes”. Na primeira metade do Século XX, a partir de uma série de movimentos artísticos, que podem ser englobados no conceito de modernidade – simbolismo, impressionismo, dadaísmo, surrealismo, cubismo, expressionismo, abstracionismo, construtivismo, nova objetividade, concretismo, sem falar na Bauhaus e no seu incrível professor László Moholy-Nagy (1895 – 1946), uma espécie de Da Vinci do Século XX -, Europa e Estados Unidos entram numa erupção artística, na qual a fotografia também se insere. Esse mesmo período registrou fatos políticos, históricos e tecnológicos que transformaram radicalmente a humanidade: duas guerras mundiais, a Revolução Russa, o pensamento marxista, a psicanálise de Freud e Jung, o existencialismo, o estruturalismo, novas ciências e tecnologias. A mundo experimentava rapidamente grandes mudanças. A fotografia participou de todas essas transformações, seja tendo seus equipamentos aperfeiçoados, seja registrando os fatos, seja criando linguagens. Mesmo sem abandonar seus conceitos originais, a fotografia se bifurca: por um lado, continua sua trajetória tradicional; por outro, passa a existir nela mesma enquanto objeto, objeto de arte, sem se referir a algo externo, temporal. A fotografia como arte subjetiva se consolida. Esses novos conceitos que vigoravam na Europa e Estados

Unidos, passaram a ser discutidos por um grupo de fotógrafos brasileiros, reunidos em São Paulo, sob o guarda-chuva de uma instituição batizada Foto Clube Bandeirantes - FCB, criado em 1939. O FCB funcionava como um local de encontro e pesquisa de fotógrafos profissionais e amadores interessados em fotografia. Nos anos 1940 já dispunha de laboratórios e estúdio para seus associados e contava com salas de leitura e biblioteca. Além disso, publicava boletins informativos, revistas e catálogos de exposições. O caráter formativo do fotoclube e seu fomento a exposições e salões nacionais e internacionais possibilitaram a expansão das redes de intercâmbio entre os fotógrafos associados. A partir de 1945, criou uma área de cinema e passou a chamar Foto Cine Clube Bandeirantes – FCCB. Esses fotógrafos, a grande maioria profissionais liberais amantes da fotografia, enveredaram por aquele caminho que a Europa já tinha chegado na década de 1930. Esse grupo ficou conhecido como Escola Paulista de Fotografia. É verdade que o grupo de fotógrafos brasileiros que formaram a Escola Paulista de Fotografia chegou um pouco tarde ao modernismo. Mas também é verdade que a qualidade, a inventividade e a criatividade de suas fotos são indiscutíveis. Se eles não são muito conhecidos no Brasil, que dirá fora dele. Mesmo reunidos numa organização que procurava participar de exposições em todo o mundo - o Foto Cine Clube Bandeirantes-, esses fotógrafos ainda frequentam poucas mentes brasileiras. Eles emocionam as consciências de colecionadores, críticos e pessoas ligadas ao mundo das artes. Um grupo muito pequeno diante da importância estética desses criadores. Apesar de estar aumentando o número de

exposições desse grupo, batizado Modernistas Brasileiros, só recentemente eles estão tendo experiências internacionais. Uma exposição, mais restrita, aconteceu na Londres, na galeria Augusta Edwards Fine Art, de 17 a 30 de maio de 2021, intitulada Brazilian Modernists: Three Masters of Foto-Cine Clube Bandeirante. Uma outra, mais ampla - Fotoclubismo: Brazilian Modernist Photography, 1946–1964 - acontece no MoMA – Museu de Arte Moderna de Nova Iorque, de 8 de maio a 26 de setembro de 2021. O RECONHECIMENTO DO MoMA Na divulgação do evento, o MoMA destaca que a exposição tem como foco as realizações criativas do Foto Cine Clube Bandeirante de São Paulo, “um grupo de brilhantes fotógrafos amadores no Brasil, desconhecido do público europeu e norteamericano”. A exposição foi organizada por Sarahh Meister, Curadora, e Dana Ostrander, Assistente Curatorial, do Departamento de Fotografia do MoMA. A grande maioria dos sócios do Foto Cine Clube Bandeirante era formada por amadores: a lista de profissões de sócios inclui empresários, contadores, jornalistas, engenheiros, biólogos e banqueiros. Alguns nomes se destacam: Gaspar Gasparian – 1899/1966, Geraldo de Barros – 1923/1998, German Lorca – 1922/2021, Gertrudes Altschul – 1904/1962, José Oiticica Filho – 1906/1964, José Yalenti – 1895/1967, Thomaz Farkas – 1924/2011. A exposição é a primeira a apresentar esse momento da história da fotografia brasileira para um público internacional. A curadora do departamento de fotografia do MoMA, Sarah Meister, em entrevista a Tiê Higashi, publicada na Revista Zum, do Instituto Moreira Salles Meister, conta que começou seu interesse pelos modernistas paulistas em 2005, quando o MoMA comprou duas fotografias de Geraldo de Barros.

“Na época, não sabia o que fazer com aquelas imagens. Mas elas certamente me interessavam. No entanto, eu não tinha nenhuma referência que me fizesse entender aqueles trabalhos. Eles não se encaixavam em nada do que eu achava que sabia sobre fotografia. Mas diria que foi nesse momento, com essas aquisições, que as sementes do interesse foram plantadas, pois havia um artista incrível, inventivo e experimental trabalhando em São Paulo nos anos 40 e 50 e eu não sabia nada.”

Em 2012, graças ao C-MAP, um programa de pesquisa interno do MoMA que promove o estudo de histórias da arte fora da América do Norte e da Europa Ocidental], Sarah Meister foi a São Paulo pela primeira vez. Conheceu o Foto Cine Clube Bandeirante e conversou com Gaspar Gasparian e Eric Franck sobre três aquisições do seu trabalho, e com os filhos de Thomas Farkas. E descobriu que existiam sete fotos na coleção do museu que Farkas havia mandado para fotógrafo, pintor e curador Edward Steichen, em 1949. “Estava contente pensando que tínhamos três artistas do FCCB na nossa coleção. Então, em 2015, estive em São Paulo pela terceira vez e fiquei sabendo que Gertrudes Altschul e muitos outros fotógrafos interessantes eram sócios do clube. Comecei então a ter contato com os escritos de Helouise Costa e Heloisa Espada, visitei coleções privadas, conheci Isabel Amado… E me dei conta de que este era um capítulo completamente desconhecido por mim e que eu precisava ser muito humilde sobre aquilo que eu não sabia. E, claro, também por ocasião daquela primeira viagem em 2012, comecei a desenvolver um interesse sobre o que estava acontecendo naquele momento no Brasil. Apesar desta exposição tratar de um passado mais distante, ela coincide também com a tomada de consciência sobre coisas empolgantes que estavam acontecendo naquele momento.”

A FOTOGRAFIA NO BRASIL E OS MODERNISTAS (*) Desde seu nascimento, no século XIX, a fotografia - e os debates que a acompanham - revela uma tensão entre fotodocumentação e foto artística e, mais claramente, a partir dos anos 1950, entre

fotografia figurativa e abstrata. A história da fotografia no Brasil remonta à chegada do daguerreótipo ao Rio de Janeiro, em 1839, e ao francês Hercule Florence (1804-1879). Entre 1840 e 1860, a fotografia difunde-se pelo país. Victor Frond (1821-1881), Marc Ferrez (1843-1923), Augusto Malta (1864-1957), Militão Augusto de Azevedo (18371905) e José Christiano Júnior (1832-1902) se destacam como pioneiros da fotografia entre nós. O valor expressivo e também documental de suas obras, dedicadas ao registro de aspectos variados da sociedade brasileira da época - por exemplo, os escravos de Christiano Júnior, ou a paisagem urbana captada por Militão no Álbum Comparativo da Cidade de São Paulo, 1862-1887 -, vêm atraindo a atenção de pesquisadores das mais diversas áreas do conhecimento. A fotografia modernista é um movimento de renovação da linguagem fotográfica que surge no início do século XX em oposição ao pictorialismo. O objetivo é dotar a fotografia de um projeto artístico autônomo alinhado às aspirações remodeladoras da arte moderna e redefinir as bases estéticas por meio de experimentações técnicas próprias ao médium. A visão moderna se desenvolve no empirismo da prática fotográfica e, através dela, propõe uma “criação artística óptica”, baseada na exploração dos elementos indispensáveis na operação da fotografia (a câmera, o negativo e a revelação). Apesar de as correntes Fotografia Pura (Straight Photography), Nova Objetividade (Neue Sachlichkeit) e Nova Visão (Neues Sehen) serem protagonistas dessa transformação radical da linguagem fotográfica, não há a formação efetiva de um grupo definido, e a mudança ocorre em universos distintos, por meio de iniciativas particulares de artistas-fotógrafos, entre eles Alfred Stieglitz (1864-1946), August Sander (1876-1964), László MoholyNagy (1895-1946), Man Ray (1890-1976), Paul Strand (1890-1976) e Alexander Rodchenko (1891-1956). Cada um contribui individualmente no desenvolvimento da linguagem, seja propondo a vista de uma escada em

contraplongée: Alexander Rodchenko, Rua Miasnitskaia (1925); a paisagem geometrizada em plongée: László Moholy-Nagy, Geometria e Textura da Paisagem (1925); as deformações ópticas: Edward Weston, Nus (1936); ou as imagens abstratas por contato: Man Ray, Rayograma – O Beijo (1922). Entre outras experimentações técnicas estão: “múltipla exposição, uso de velocidades ‘inadequadas’ ao assunto fotografado, alto-contraste, solarização, movimentação do aparelho no ato de fotografar, uso de diferentes tipos de montagens fotográficas, recortes nos negativos, micro e macrofotografia, intervenção nas cópias.” No Brasil, a renovação modernista na fotografia acontece duas décadas mais tarde, em meados da década de 1940, e se desenvolve precisamente no Foto Cine Clube Bandeirante - FCCB, em São Paulo. O início da transformação da linguagem fotográfica brasileira é o resultado dos esforços individuais, principalmente dos fotógrafos José Yalenti (1895/1967), Thomaz Farkas (1924/2011), Geraldo de Barros (1923/1998) e German Lorca (1922/2021), que se lançam na formação de uma nova visão. Por meio da própria técnica fotográfica, eles propõem a geometrização do espaço urbano – José Yalenti, Paralelas e Diagonais (1945); ângulos e pontos de vistas inusitados – Thomaz Farkas, Escada ao Sol (1946); abstrações por sobreposições – Geraldo de Barros, Abstrato/Série Fotoforma (1950); e o exercício de estranhamento da realidade cotidiana – German Lorca, Malandragem (1949). Com esses experimentos, os pioneiros abrem possibilidades de pesquisas, desencadeando uma grande mudança na produção fotoclubista. Por volta dos anos 1950, o termo Escola Paulista passa a ser utilizado

pelas críticas especializadas para designar a produção modernista do FCCB, pois percebem a constituição de um corpo artístico com criações de características similares como: “as quebras das regras clássicas de composição; uso corrente do claro-escuro radical; ênfase nas linhas de forças constitutivas do referente, ressaltando o potencial abstrato do tema; forte tendência à geometrização dos motivos e, por fim, a quebra da integridade do processo tradicional.” A força dos trabalhos da Escola Paulista possibilitam a presença da fotografia nos museus, como o convite para a coordenação do laboratório fotográfico do Museu de Arte de São Paulo (Masp) a Geraldo de Barros, a exposição de Thomaz Farkas no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP) e a sala especial exclusiva para na 2ª Bienal Internacional de São Paulo (13.12.1953/26.02.1954). No fim dos anos 1950, o desenvolvimento das Revistas Ilustradas consolidam o fotojornalismo e a retomada do figurativismo, enquanto a Escola Paulista entra na última fase, com a academização do vocabulário moderno, a repetição das fórmulas já empregadas, e as possibilidades de mudanças dessa estética. Subvertendo a noção da imagem da realidade, a fotografia modernista propõe a manipulação da plasticidade em temas que condizem com o mundo moderno ao qual se insere, contemplando as transformações urbanísticas – Paulo Pires, Construtores, (s/d); o aumento da velocidade dos transportes – German Lorca, Aeroporto (1940); a expansão das propagandas no espaço público – Claudio Pugliese, Propaganda ao Céu (1957); e a intensificação da produção industrializada em série – José Yalenti, Ovaladas (1950). A fotografia modernista busca a autonomia formal explorando a própria técnica, mesmo que isso signifique a negação do referente. (*) Adaptação do verbete Fotografia no Brasil, da Enciclopédia Itaú Cultural. FERNANDO RIOS

FONTES E REFERÊNCIAS FOTO CINE CLUBE BANDEIRNTES https://fotoclub.art.br/ Acesso em: 08 de junho de 2021. FOTOGRAFIA MODERNISTA BRASILEIRA / COLEÇÃOO ITAÚ CULTURAL https://artsandculture.google.com/exhibit/fotografia-modernistabrasileira/3gJSVcF9SyfOKg Acesso em: 08 de junho de 2021. FOTOGRAFIA NO BRASIL In: Enciclopédia Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia. itaucultural.org.br/termo3787/fotografia-no-brasil>. Acesso em: 07 de junho de 2021. Verbete da Enciclopédia. ISBN: 978-85-7979-060-7 FUNDAÇÃO BAUHAUS DESSAU https://www.bauhaus-dessau.de/de/stiftung.html Acesso em: 08 de junho de 2021. ENTREVISTA COM FABIANA DE BARROS, ARTISTA PLÁSTICA E FILHA DO FOTÓGRAFO GERALDO DE BARROS. 28 de fevereiro de 2014 Moderna para Sempre - Fabiana de Barros - YouTube Acesso em: 08 de junho de 2021. ENTREVISTA COM IATÃ CANNABRAVA – FOTÓGRAFO E CURADOR DA EXPOSIÇÃO MODERNA PARA SEMPRE 24 de janeiro de 2014 Moderna para Sempre -- Iatã Cannabrava - YouTube Acesso em: 08 de junho de 2021. ENTREVISTA COM RUBENS FERNANDES, PESQUISADOR E CRÍTICO DE ARTE 24 de janeiro de 2014 Moderna para Sempre (2014) -- Rubens Fernandes - YouTube Acesso em: 08 de junho de 2021. ENTREVISTA: A CURADORA SARAH MEISTER FALA SOBRE A EXPOSIÇÃO FOTOCLUBISMO, EM CARTAZ NO MOMA DE NOVA YORK

Tiê Higashi ZUM REVISTA DE FOTOGRAFIA / RADAR Publicado em: 12 de maio de 2021 https://revistazum.com.br/radar/entrevista-sarah-meister/ Acesso em: 08 de junho de 2021. MODERNISMO https://pt.wikipedia.org/wiki/Modernismo Acesso em: 08 de junho de 2021. MoMA ANNOUNCES FOTOCLUBISMO: BRAZILIAN MODERNIST PHOTOGRAPHY, 1946–1964, HIGHLIGHTING A PREVIOUSLY UNDERSTUDIED CHAPTER OF PHOTOGRAPHIC HISTORY 000 REF MoMA_Fotoclubismo-Press-Release_FINAL_Updated-2.1.21-3.pdf Acesso em: 08 de junho de 2021. MOHOLY NAGY FOUDATION https://www.moholy-nagy.org/ Acesso em: 08 de junho de 2021. LÁSZLÓ MOHOLY-NAGY (1895/1946) TIPÓGRAFOS NET http://tipografos.net/bauhaus/moholy-nagy.html Acesso em: 08 de junho de 2021.

Credits Publisher: Alaide Rocha Editor: Carlo Cirenza Research and text: Fernando Rios Graphic Project: Marcelo Pallotta Designer Assistant: Katharina Pinheiro Translation: Bruna Martins Fontes Acknowledgements:

Almeida e Dale Galeria de Arte; Erica Schmatz; Augusta Edwards Fine Art; Itau Cultural; Eduardo Saron; Alfredo Setubal; Luciana Brito Galeria; Luciana Brito; Julia Pereira; Daniel Marchezini; MoMA; Sarah Hermanson Meister; Beverly Adams; Roxana Marcoci

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